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Mirtha Legrand, la mujer que fue Reina antes de que la coronaran

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A las puertas de sus cien años, España la distingue con la Orden de Isabel la Católica: no para consagrarla, sino para reconocer a una figura que siempre reinó en la cercanía con la gente —y que dejó en Misiones un recuerdo que aún respira.

Hay recuerdos que no se apagan.

En Misiones, todavía persiste —como una escena suspendida en el tiempo— el paso de Mirtha Legrand por la provincia en la década del 90.

No fue una visita más.

Fue una presencia.

Porque hay figuras que se construyen con los años. Y hay otras —mucho más raras— que nacen directamente en el vínculo con la gente. Mirtha pertenece a esta última categoría.

A meses de cumplir cien años, su nombre vuelve a ocupar el centro de la escena, no por nostalgia, sino por continuidad: será distinguida con la Orden de Isabel la Católica, una de las máximas condecoraciones del Reino de España.

Un gesto que no la eleva.

La reconoce.

Porque si algo ha definido a Mirtha Legrand durante toda su vida no es la distancia, sino la cercanía. No es una figura inaccesible. Es, por el contrario, profundamente popular, gestuosa, presente.

Una mujer que entendió desde siempre que el verdadero vínculo con el público no se impone.

Se construye.

En el detalle.
En la mirada.
En el gesto.

Y Misiones lo vivió de cerca.

Participaba del programa Mano a mano con usted, compartía mesas, recorría la vida social y política con una naturalidad que hoy resulta casi irrepetible. Almorzó en la residencia del entonces gobernador Ramón Puerta, dialogó con empresarios, se integró a una escena que la recibía sin solemnidad.

No era una diva distante.

Era una presencia viva.

En ese mismo clima, tuve la oportunidad de conocerla siendo apenas un adolescente. Uno más, en esos primeros pasos en los medios, cuando el entusiasmo suele ser mayor que las certezas.

Podría haber sido un encuentro fugaz.

No lo fue.

Años después, en Buenos Aires, ya como estudiante del Instituto Argentino de Gastronomía Gato Dumas, ese recuerdo se transformó en algo concreto: me reconoció, me dio lugar, me abrió una puerta.

Ese gesto —tan simple, tan natural— fue decisivo.

Porque no se trató sólo de una invitación a su programa, junto a mi colega Nicolás García Díaz, para presentar la apertura del restaurante Croque Madame.

Se trató de algo más profundo.

De validar un camino cuando todavía está en construcción.

De mirar a alguien que empieza.

Y hacerlo visible.

A partir de allí llegaron las repercusiones: notas en La Nación, en El Gourmet y en Cuisine & Vins.

Nada estridente.

Pero sí determinante.

Porque hay gestos que no hacen ruido.

Pero cambian destinos.

También en Misiones, esa cercanía se traducía en hechos: entrevistas a gobernadores como Ricardo Barrios Arrechea, Julio César Humada y el propio Ramón Puerta, almuerzos en vivo por Canal 12 Misiones, encuentros donde la política, la sociedad y los medios se cruzaban sin intermediarios.

Allí no había distancia.

Había conversación.

Y hay algo más —menos visible, pero igual de importante— que merece ser dicho.

La generosidad.

No la que se exhibe.

La que se ejerce en silencio.

Su compromiso con la Casa del Teatro, su cercanía con el Hospital Fernández, y tantas otras acciones que no buscan aplauso, hablan de una mujer que entendió que la visibilidad también implica responsabilidad.

Y la asumió.

Que hoy España la distinga no es un dato menor.

Es, en cierto modo, la confirmación de una evidencia.

La Orden de Isabel la Católica —instituida por Fernando VII— reconoce trayectorias que proyectan cultura e identidad más allá de sus fronteras.

Y Mirtha lo ha hecho durante décadas.

Hay incluso un detalle que no pasa desapercibido: la actual reina de España, Letizia Ortiz, proviene del periodismo.

Del mismo territorio simbólico.

El de la palabra.

El de la escena.

El del vínculo.

Pero más allá de títulos, medallas o comparaciones, lo esencial permanece intacto.

Mirtha Legrand no se convirtió en reina por una condecoración.

Fue reconocida como tal porque, desde siempre, supo ocupar ese lugar.

En la memoria.

En la cercanía.

Y, sobre todo, en el afecto profundo de la gente.

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El remolino del río: el cine misionero que desafía los bordes entre lo real y lo virtual

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El paisaje cotidiano de Posadas —sus muelles, el barrio Villa Cabello y el imponente Paraná— se convierte en el escenario de una narrativa que busca incomodar. “El remolino del río”, cortometraje de ficción escrito y dirigido por Eva Macarena Rodríguez, se encuentra actualmente en fase de posproducción, tras un intenso rodaje a finales de marzo que capturó la esencia de la juventud misionera contemporánea.

El “Bairuzú”: una analogía sobre la succión digital

La génesis del proyecto tiene una raíz tan física como metafórica. Macarena recuerda el asombro y el pánico que sentía de niña ante las corrientes de Yacyretá o las Cataratas. Sin embargo, el disparador visual fue el “Bairuzú”, el famoso y misterioso remolino de Montecarlo. “Esas corrientes hídricas imponentes pueden ser una analogía muy acorde a la corriente abrasadora que significan las redes sociales”, explica la directora.

La trama sigue a Asia (Tiara Rodríguez Greve) y Lea (Lara “Pinky Lala” Argañarás), dos amigas que, en busca de un millón de seguidores, anuncian que se lanzarán al remolino en una transmisión en vivo. Lo que comienza como un juego de validación digital escala hacia una presión mediática y social con giros inesperados.

El contraste entre las protagonistas es el motor narrativo del corto. Tiara describe a su personaje como una joven que “no dimensiona lo que hace o el riesgo en el que puede poner a otras personas” por su obsesión con la fama digital. Por su parte, Lara encarna a Lea, una joven inocente y apasionada que participa del reto principalmente por el vínculo con su amiga. 

Para la directora, haber filmado el cortometraje es un sueño cumplido gracias al fomento del Instituto de Artes Audiovisuales de Misiones (IAAviM), tras ser uno de los proyectos ganadores del Concurso de Cortometraje de Primeras o Segundas Obras del Plan de Fomento 2025. Sobre la temática, Rodríguez explica que “el verdadero peligro está en la mirada de los otros” y que el remolino funciona como una analogía de las redes sociales, las cuales describe como “esa fuerza que hoy en día nos succiona nuestro tiempo y nuestra mirada”.

Estética “punk” y la influencia de Sofia Coppola

Para esta obra, Rodríguez cita como musas la narrativa poética y cruda de Sofia Coppola en Lick the Star y The Virgin Suicides. También resuena con el cine de la correntina Clarisa Navas, especialmente en la búsqueda de esquemas de producción comunitarios y el uso de contextos reales.

El cortometraje apuesta por un naturalismo extremo. Bajo la dirección de fotografía de Sandra Grossi, se utilizó cámara en mano para generar intimidad y “meterse en la mente” de las protagonistas. Un elemento innovador es el uso de imágenes de archivo reales de las actrices, creando un “collage” que borra la frontera entre la ficción y la realidad de su personalidad punk adolescente.

Un set con perspectiva de género y conciencia económica

La producción no solo es una apuesta estética, sino también política. El 95% del equipo técnico está integrado por mujeres e identidades diversas, muchas de ellas parte de la colectiva MUTAR. Para las actrices, esta configuración creó un ambiente de “hermandad y sororidad” inédito en sus experiencias previas. Al respecto, Argañarás compartió: “Me siento súper honrada de formar parte de esta producción. Siento por primera vez lo que creo que sienten los varones cuando trabajan en conjunto; esa hermandad que nunca había sentido de esta manera”. La actriz destacó que este ambiente le permitió una libertad creativa inédita: “Se siente genial… me siento cómoda, siento que puedo soltarme un poquito más con ellas”.

Victoria González, jefa de producción junto a Yamila Barnasthpol, destacó el desafío que implicó llevar adelante el proyecto en el actual contexto económico del país y remarcó la importancia de una administración responsable en una ópera prima. En ese sentido, señaló que asumir por primera vez la conducción de un set como jefa de producción significó “un desafío muy grande” y una experiencia clave para su crecimiento profesional. Además, valoró el acompañamiento constante de sus compañeras y la diversidad del equipo técnico, integrado mayormente por profesionales de Misiones, junto a integrantes de otras regiones, como la sonidista chaqueña y la montajista brasileña.

El desafío de la posproducción

Aunque la filmación principal concluyó en locaciones como el complejo La Aventura, el emblemático barrio posadeño de Villa Cabello, y el Club Náutico León Seró, el trabajo continúa. La edición está siendo realizada en Brasil por Júlia DaCosta, a quien Rodríguez conoció en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de Cuba mientras se formaba en la Residencia de Guion. Por otro lado, la diseñadora gráfica Guadalupe Caballero desarrolla en Posadas el diseño de animaciones que se integrarán a las pantallas de los dispositivos dentro del film.

“No tenemos fecha de estreno aún. Considero que la postproducción es el desafío mayor de este proyecto, así que queremos darle tiempo, dedicación y una buena impronta de sonido”, afirma Macarena Rodríguez, quien tras 17 años en la industria y con un próximo largometraje en desarrollo (Mila), se consolida como una voz autoral comprometida con su tiempo y su territorio.

Ficha Técnica: El Remolino del Río

  • Guion y Dirección: Eva Macarena Rodriguez
  • Asistentes de Dirección: Natal Cano y Camila Acosta
  • Jefatura de Producción: Yamila Barnasthpol y Victoria González
  • Asistente de Producción: Lula Recio
  • Mentoría de producción: Magali Bustos
  • Dirección de Fotografía: Sandra Grossi
  • Foquista: Melanie Gamonal
  • 1er Asistente de Cámara: Valeria Birritela
  • Dirección de Sonido: Lucia Palenzuela
  • Microfonista: Mica Chavez
  • Gaffer: Vax
  • Dirección de Arte: Makarena Bordón
  • Utilería: Leticia Alvarez
  • Maquillaje: Kike Sandoval
  • Vestuario: Malena Reynoso
  • Edición: Júlia DaCosta
  • Diseño Gráfico: Valeria Guadalupe Caballero

Fotos – Créditos Nadir Productora Audiovisual

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Estudio A24 reinventa el mito: Hugh Jackman protagoniza ‘The Death of Robin Hood’, un drama crepuscular que llegará en junio

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El estudio A24 ha decidido dar un giro radical a la leyenda del forajido más famoso de la historia. Lejos han quedado las mallas verdes de Errol Flynn, la épica de Kevin Costner o el enfoque bélico de Ridley Scott. Con el lanzamiento del nuevo tráiler de The Death of Robin Hood, la productora independiente confirma su apuesta por una versión psicológica y sombría que promete ser uno de los grandes hitos cinematográficos del próximo verano.

Un héroe roto y asediado por el pasado

Bajo la dirección de Michael Sarnoski quien ya demostró su capacidad para explorar la crudeza humana en Pig, la película presenta a un Robin Hood envejecido y malherido. En esta relectura, el protagonista no se define por su pericia con el arco, sino por el peso de sus pecados y los fantasmas de una vida marcada por la violencia.

Hugh Jackman asume el papel principal, una elección que evoca su aclamada interpretación de héroes cansados en cintas como Logan. Su Robin Hood no habita en un bosque de Sherwood idílico; en su lugar, se enfrenta a un entorno húmedo, hostil y áspero que funciona como reflejo de su propio deterioro mental y físico.

Sinopsis: Más allá de la leyenda

La premisa de la cinta se aleja de la clásica narrativa de “robar a los ricos para dárselo a los pobres”. El guion se sumerge en un thriller existencial centrado en los últimos días del forajido.

  • El conflicto: Un hombre lidiando con las consecuencias de una vida de criminalidad y sangre.
  • La trama: La historia sigue a un Robin debilitado bajo el cuidado de una misteriosa mujer, buscando descubrir qué queda del ser humano cuando la leyenda se apaga.
  • La estética: Sarnoski apuesta por el silencio, la textura del barro y una paleta de colores grises y marrones, alejándose de los filtros dorados tradicionales.

Un reparto de alto calibre

Aunque Jackman lidera el relato, la producción cuenta con un elenco diseñado para aportar profundidad dramática a la historia:

Actor/ActrizPerfil en la obra
Jodie ComerLa mujer misteriosa encargada de cuidar a Robin; el núcleo emocional.
Murray BartlettAporta una mezcla de vulnerabilidad y carisma al entorno sombrío.
Noah JupeJoven talento que refuerza el peso emocional de la narrativa.
Faith DelaneyAporta frescura y una interacción clave con el Robin crepuscular.

Con este proyecto, A24 y Sarnoski buscan redefinir el género de aventuras, entregando un retrato íntimo de un héroe que, por primera vez, siente miedo ante lo que le espera al otro lado de la vida. El estreno está programado para el mes de junio.

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“Gente de la ruta” tuvo su estreno mundial en el BAFICI con sala llena 

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El cine hecho en Misiones tuvo anoche un momento significativo en la escena nacional: Gente de la ruta, la ópera prima del realizador obereño Lucas Koziarski, tuvo su estreno mundial en la Competencia Oficial Argentina del Buenos Aires Festival de Cine Independiente 27 (BAFICI), con una sala colmada en el complejo Cinépolis Plaza Houssay.

Rodada íntegramente en Oberá, con un equipo mayoritariamente local y regional, la película se inscribe en una línea de producción independiente que crece en la provincia y logra proyectarse en uno de los festivales más relevantes del país. Con una duración de 67 minutos, el film propone una narrativa que se mueve entre lo íntimo y lo inquietante, siguiendo a Gladys, una mujer que huye con sus hijos hacia la casa de su prima, en un barrio atravesado por la ruta, donde la vida cotidiana convive con la violencia, el silencio y la desaparición de mujeres.

El estreno no solo marcó la primera exhibición pública de la película, sino también un reencuentro entre el equipo y el territorio que la vio nacer. “La filmamos en Misiones, con un equipo casi completamente local y con mujeres de la zona, muchas de ellas no actrices, incluso parte de mi familia”, señaló Koziarski, quien destacó además la presencia de integrantes del equipo en la sala y el intercambio generado con el público tras la proyección. “La verdad que el estreno se vivió como algo muy lindo, muy emocionante, fue muchísima gente y las personas estaban muy entusiasmadas, preguntando cosas, interesadas en seguir hablando luego de la película, y eso es algo que para mí el cine tiene que lograr”, agregó.

El realizador, que cuenta con una reconocida trayectoria como director de arte en el cine argentino (Las Mil y una e Hija mayor), da aquí un paso hacia la dirección con una propuesta profundamente personal, inspirada en su propio entorno. La película se nutre de relatos, climas y experiencias vinculadas a su infancia en un barrio de Oberá, donde la presencia de mujeres —familiares, vecinas, trabajadoras de la ruta— configura el núcleo narrativo y emocional de la historia.

Desde la producción, el balance del estreno también fue positivo. “Fue una noche emocionante, una sala llena y una película que conecta con el público, que hace reír y tensiona en partes iguales, como los dos universos del día y de la noche que relata la película”, expresó Sergio Acosta, quien señaló además que se trató de su última película antes de asumir como presidente del Instituto de Artes Audiovisuales de Misiones (IAAviM). Celebró también el estreno de esta película “porque el cine independiente fue y es la forma en que los cineastas se rebelan contra un sistema de fomento rígido o ausente. Dado que el cine, como lenguaje vivo, sólo depende de la voluntad de sus hacedores, para narrar mundos relegados y ajenos al imaginario de la industria”.

En la misma línea, la productora Camila Acosta expresó sentirse feliz por el estreno en el BAFICI y subrayó el carácter colectivo del proceso: “Ver el resultado de tanto trabajo y entrega colectiva me llena de orgullo. Poder compartir el estreno con gran parte del equipo técnico y las actrices fue el mejor regalo, esto es la prueba de que se puede hacer cine con identidad, creyendo en nuestra pasión y convencida de que contar lo que somos es el camino más valiente para seguir filmando”.

Gente de la ruta continuará su recorrido en el BAFICI con dos nuevas funciones en el Cine Arte Cacodelphia – Sala 2, el jueves 23 a las 18.30 hs y el sábado 25 a las 13.20 hs. De esta forma, el filme se consolida como una de las producciones misioneras que logra abrirse camino en el circuito nacional, apostando a una mirada propia y a historias ancladas en su territorio.

“Lu y Pau” sumó otra presencia misionera en la Competencia Oficial del BAFICI 

También se estrenó en la Competencia Oficial, sección Noches Especiales, “Lu y Pau”, dirigida por Nicanor Loreti y producida por el misionero Pepe Salvia junto a Gabriel Palermo.

Protagonizada por Jazmín Stuart y Lorena Vega, la película se mueve entre el thriller de asalto y la comedia de dúo, siguiendo a dos mujeres que, frente a una situación límite, trazan un plan tan desesperado como audaz: una seguidilla de robos para torcer un destino judicial inminente. Con ritmo, humor y una fuerte química entre sus protagonistas, el film se apoya en la potencia de sus interpretaciones para construir personajes que se corren de lo previsible y expanden los márgenes del género.

Rodada a fines de 2023 en las localidades de Puerto Esperanza, Wanda y Eldorado, cuenta con dirección de fotografía de Iñaki Echeberria, referente del audiovisual misionero. Al igual que Gente de la ruta, este proyecto recibió el acompañamiento del IAAviM, reafirmando el desarrollo de la producción regional y su llegada a pantallas de alcance nacional.

Tras su estreno, que también tuvo entradas agotadas, Salvia destacó la recepción del público, con una sala colmada y una respuesta entusiasta hacia la película y sus actrices. En la función estuvieron presentes integrantes del elenco como Jazmín Stuart, Lorena Vega, Paula Manzone, Demian Salomón y Fabián Forte, acompañando una noche que volvió a poner en primer plano al cine hecho desde y con Misiones.

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Murió Luis Brandoni: el adiós a una leyenda del cine y el teatro argentino

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El mundo del espectáculo argentino está de luto por la muerte de una de sus figuras más trascendentales. El actor Luis Brandoni falleció a sus 86 años esta madrugada en el Sanatorio Güemes, donde permanecía internado desde el pasado 11 de abril tras sufrir un accidente doméstico.

La causa de su fallecimiento fue por un hematoma subdural, provocado por el golpe que sufrió en la cabeza al caerse en su casa. 

La triste noticia fue confirmada por el productor y amigo personal del artista, Carlos Rottemberg, a través de un comunicado en la cuenta de Multiteatro: “Murió Luis Brandoni. Con Beto se va el último primer actor de una generación inolvidable. Impulsor del teatro nacional, desde esta Casa Teatral seguiremos aplaudiendo su compromiso permanente, que excedió el ámbito del escenario. Hoy es un día muy triste para nuestra cultura“.

A su vez, el productor también adelantó que velarían los restos de Brandoni en la Legislatura Porteña desde el mediodía de este lunes, y el martes a la mañana en el Panteón de Actores, ubicado en el Cementerio de Chacarita.

Brandoni nació en Dock Sud, Avellaneda, el 18 de abril de 1940. Debutó en teatro a los 22 años, en la comedia musical El novio, protagonizada por Luis Aguilé, junto a Mariquita Gallegos, Iris Marga, Mabel Manzotti, José María Langlais y elenco, bajo la dirección de Juan Silbert.

Desarrolló una extensa labor teatral que lo mantuvo activo hasta sus últimas semanas de vida. Su recorrido incluye títulos como Parque Lezama -que recientemente tuvo su estreno en versión película en la plataforma Netflix-, Made in LanúsChúmbale, Panorama desde el puenteStefanoSegundo tiempoEl acompañamientoArtJusto en lo mejor de mi vida, Un enemigo del pueblo, Conversaciones con mamá, Enrique IV, Convivencia, Papi, El viejo criado, Vidas privadas, Don Arturo Illia, El gran deschave y Gris de ausencia, entre otras. 

En televisión y plataformas participó en numerosas ficciones, entre ellas Nada, Un gallo para Esculapio, Mi cuñado, Buscavidas, El retrato de Dorian Grey, La bonita página, Vulnerables, Graduados, Señores papis, Culpables, Durmiendo con mi jefe, El hombre de tu vida, Derecho viejo e Infieles.

Su trabajo en el cine argentino quedó plasmado en películas icónicas como Esperando la carroza, La tregua, La Patagonia rebelde, La odisea de los giles, Cien veces no debo, Darse cuenta, Made in Argentina, Mi obra maestra, El cuento de las comadrejas, Esa maldita costilla, La suerte en tus manos, Tokio, Autocine mon amour, Sola y Juan que reía, entre muchas otras.

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