CINE

Buenos Aires tiene su miniserie: la historia de la ciudad que no deja de transformarse

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El Laboratorio de Ideas Sostenibles (LIS), en coproducción con Moldes, presenta “Buenos Aires: La ciudad continua”, una miniserie documental que explora cómo se construyó (y sigue construyéndose) una de las metrópolis más complejas y fascinantes de América Latina. El primer episodio se presentó este domingo 10 de mayo en el espacio del CAF — Banco de Desarrollo de América Latina y el Caribe en el 50° Aniversario de la Feria del Libro de Buenos Aires y la serie completa podrá verse en el canal de YouTube del Laboratorio de Ideas Sostenibles (@labsostenibles)

A través de testimonios de urbanistas, arquitectos, historiadores y especialistas en vivienda, la serie narra la ciudad como pocas veces se ha contado: como un organismo vivo, moldeado por epidemias, migraciones, leyes, sueños de modernidad y la persistente identidad barrial que ningún megaproyecto logró borrar.

La miniserie se estructura en tres capítulos de aproximadamente 25 a 30 minutos cada uno, pensados tanto para el público general como para quienes trabajan, estudian o simplemente se apasionan con las ciudades:

Capítulo 1: La ciudad a través del tiempo

El primer episodio recorre la morfología urbana de Buenos Aires desde sus orígenes coloniales hasta el presente: el impacto del ferrocarril, la fiebre amarilla que desplazó a las élites del sur al norte, la apertura de la Avenida de Mayo y el polémico nacimiento de la 9 de Julio. Una ciudad que creció como pulpo, pero que late como barrio.

Capítulo 2: Testimonios sobre la domesticidad

Del conventillo al departamento propio. Este episodio analiza cómo los porteños han habitado la ciudad a lo largo del tiempo: la Ley de Propiedad Horizontal de 1948, que transformó una ciudad de inquilinos en una de propietarios en apenas doce años; la casa chorizo como respuesta popular al hacinamiento y la cocina como espejo del cambio cultural.

Capítulo 3: Habitar lo contemporáneo

El tercer episodio pone el foco en el presente y el futuro: los fideicomisos al pozo, la aversión al riesgo constructivo, la revalorización del balcón tras la pandemia y el desafío de diseñar viviendas más justas, más verdes y menos especulativas. La pregunta que cierra la serie es también la que abre el debate: ¿para quién se construye la ciudad?

“Buenos Aires es, en esencia, una ciudad de capas superpuestas. Nace bajo un orden colonial, luego ensaya una aspiración europea a través de instrumentos clásicos de planificación (la grilla, el espacio público, el parque), pero finalmente se despliega como una metrópolis latinoamericana. Su trayectoria está atravesada por tensiones persistentes (políticas, económicas y culturales) que rara vez encuentran resolución en la capacidad estatal de ordenar el territorio. En cambio, es en la práctica cotidiana, en la adaptación informal y en la negociación social donde la ciudad termina resolviéndose a sí misma”, comentó Joaquín Tomé, Fundador y Director del Laboratorio de Ideas Sostenibles y  Director del Centro de Estudios Económicos Urbanos (CEEU) de la Universidad Nacional de General San Martín (UNSAM).

FICHA TÉCNICA

  • Título: “Buenos Aires: La ciudad continua”
  • Formato: Miniserie documental | 3 episodios | 25–30 min c/u
  • Producción: Laboratorio de Ideas Sostenibles 
  • Coproducción: Moldes
  • Año: 2025
  • Participantes Cap. 1: Enrique García Espil, Alicia Novick, Rosa Aboy, Alfredo Garay, Mario Sabugo y Andrés Borthagaray
  • Participantes Cap. 2: Mercedes Di Virgilio, Rosa Aboy, Maria Hojman, Anahí Ballent y Flora Manteola.
  • Participantes Cap. 3: Joaquín Berdes, Javier Goldenberg, Ana Rascovsky, Sebastián Adamo,  Florencia Rodríguez y Martín Torrado
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Top Gun vuelve a Argentina: 40 años del clásico con reestreno en cines

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Top Gun vuelve a las pantallas grandes de Argentina desde el 13 de mayo y por una semana exclusiva, en el marco de su 40° aniversario. Paramount Pictures organiza el evento a nivel global y lo presenta junto a su secuela (Top Gun: Maverick) ofreciendo por primera vez la película en formatos premium para cines.

Por qué Top Gun sigue siendo relevante 40 años después

El impacto de Top Gun fue tan masivo que desbordó la pantalla grande. En 1986, las tiendas agotaron las gafas de sol estilo aviador que usaban los personajes, y las oficinas de reclutamiento de la Marina de Estados Unidos registraron un aumento notorio de jóvenes aspirantes a pilotos, directamente atribuido al estreno de la película.

Su banda sonora, producida por Giorgio Moroder, fue también un fenómeno independiente. “Take My Breath Away”, interpretada por el grupo Berlín, ganó el Oscar y el Globo de Oro a la Mejor Canción Original en 1987. “Danger Zone”, de Kenny Loggins, se convirtió en sinónimo de la película hasta la actualidad.

La película llegó a la Argentina en octubre de 1986, meses después de su estreno internacional. El contexto local era el de la recuperación democrática y un cine de Hollywood que volvía a dominar las carteleras porteñas. El impacto fue equivalente al global: generacional y cultural.

Cuatro décadas después, el reestreno llega a un país donde la saga mantiene vigencia: Top Gun: Maverick fue uno de los títulos más vistos en salas argentinas en 2022, en un año que contribuyó a la recuperación del sector cinematográfico post-pandemia.

La maratón doble: Top Gun + Maverick en una sola semana

El reestreno no llega solo. Paramount Pictures confirmó que ambas películas se proyectarán en simultáneo durante la semana del 13 al 19 de mayo, creando la posibilidad de una maratón en sala que conecta el Maverick de 1986 con el de 2022.

La narrativa tiene sentido: del joven piloto arrogante e impulsivo que llega a la academia Top Gun, al instructor curtido que debe entrenar a Bradley “Rooster” Bradshaw (Miles Teller), el hijo de su mejor amigo fallecido. Ver las dos de corrido permite seguir la evolución completa del personaje.

Paramount también anunció que Top Gun 3 ya está en desarrollo, con Jerry Bruckheimer como productor. Sin fecha de estreno confirmada aún, el reestreno funciona como antesala al futuro de la saga.

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El cine como espejo de una sociedad agotada: comienza el ciclo “Estados Alterados” en la Cinemateca del IAAviM

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Bajo la premisa de que el séptimo arte es, ante todo, una respuesta a las tensiones de habitar el capitalismo contemporáneo, la Cinemateca del Instituto de Artes Audiovisuales de Misiones (IAAviM) inaugura hoy en Posadas el ciclo “Estados Alterados”. Con la curaduría de Café Azar, la propuesta se establece como un espacio de resistencia y análisis crítico todos los lunes a las 20:30 hs en Urunday (Bolívar 1697), donde la pantalla se convertirá en un disparador para explorar el malestar sistémico, la disolución del yo y las fronteras de la conciencia humana.

La profundidad de esta selección no busca la complacencia, sino la incomodidad necesaria para la reflexión. Apoyándose en teorías como el “realismo capitalista” de Mark Fisher y las corrientes aceleracionistas -dos marcos teóricos fundamentales para entender la crítica cultural y política contemporánea-, el ciclo se interroga sobre cómo el orden social actual produce sujetos incapaces de sostenerse en él: seres atravesados por el insomnio, la paranoia y el desdoblamiento. Según explica Azar -antropólogo, periodista, docente y cinéfilo posadeño-, la propuesta aborda el estado de conciencia no solo desde lo psicotrópico o clínico, sino como un territorio existencial y una condición sistémica de la que parece imposible escapar.

La narrativa de este ciclo comienza esta misma noche con un viaje alucinante por la Nueva York de los años 80 en “After Hours”, de Martin Scorsese. En esta pieza que se presenta como una sátira de humor negro, el cineasta plantea una suerte de visión inversa de El Mago de Oz, donde la travesía nocturna del protagonista —un desarrollador informático— es una huida cargada de paranoia y amenazas, para finalmente descubrir que el único destino seguro es el retorno a la rutina de la productividad laboral. Esta atmósfera de incertidumbre se profundiza el próximo lunes con “Mulholland Drive”, de David Lynch, una obra que desafía al espectador al borrar los márgenes entre lo onírico y lo real, sugiriendo que tras la representación de nuestros deseos y miedos no hay nada más que vacío.

El recorrido hacia la alienación se vuelve físico y visceral con la proyección de “The Machinist”, dirigida por Brad Anderson. Aquí, el cuerpo de Christian Bale se convierte en el escenario de la culpa y el desgaste, simbolizando no solo un trastorno mental sino también la desaparición paulatina del trabajo manual en un mundo cada vez más abstracto. Finalmente, el ciclo culmina su exploración con la psicodelia existencial de “Enter the Void”, del franco-argentino Gaspar Noé. A través de una mirada técnica e inmersiva, la película nos traslada a un Tokio posmoderno para asistir a la disolución absoluta del yo y a la muerte, inspirada en las visiones del Libro Tibetano de los Muertos, donde la conciencia se expande al desprenderse de la carne.

En un tiempo donde el consumo audiovisual tiende al aislamiento, la Cinemateca del IAAviM invita a recuperar el ritual de ver películas en conjunto y, fundamentalmente, a la charla posterior que propone Café Azar. Se trata de un espacio pensado para que los misioneros puedan encontrarse, disfrutar de obras maestras que han marcado la historia del cine y reflexionar colectivamente sobre nuestra experiencia vital en un mundo que, aunque parezca inalterable, siempre puede ser cuestionado a través de la imaginación infinita.

Ciclo “Estados Alterados”

11/05 – After Hours (1985)
Martin Scorsese. Estados Unidos.

18/05 – Mulholland Drive (2001)
David Lynch. Estados Unidos

01/06 – The Machinist (2004)
Brad Anderson. España.

08/06 – Enter the Void (2009)
Gaspar Noé. Francia

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Ayahuasca Now: veteranos de guerra y un viaje al límite en el IMAX

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El miércoles 13 de mayo a las 20 h, el Ciclo Mandioca junto al CineClub del Parque presentarán en el IMAX del Conocimiento el documental Ayahuasca Now, del director argentino Carlos Bruno Cejas, con música de Gustavo Santaolalla. Entradas en venta en imaxdelconocimiento.com.

En un presente donde los conflictos bélicos vuelven a ocupar los titulares a escala global, Ayahuasca Now propone correr el foco y mirar sus consecuencias más persistentes: las que quedan cuando la guerra termina.

El filme sigue a un grupo de veteranos de las guerras de Vietnam, Irak y Afganistán que viajan a la Amazonía en busca de una posible sanación para las secuelas invisibles del combate. La selva funciona como escenario central y también como disparador simbólico, en diálogo con la memoria de Apocalipsis Now, de Francis Ford Coppola, y el imaginario de El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad.

La película aborda el trastorno de estrés postraumático (PTSD) desde una perspectiva que cruza la medicina occidental con prácticas ancestrales de la Amazonía, en particular el uso ritual de la ayahuasca. En ese cruce, los protagonistas enfrentan un territorio tan físico como íntimo: la selva como extensión de sus propios conflictos.

A lo largo del relato, los chamanes aparecen como guías en un proceso que propone otras formas de intervención sobre el trauma. El mayor desafío, sin embargo, no es externo sino interno: lidiar con las marcas que dejó la guerra.

Ayahuasca Now se construye como un testimonio sobre el impacto del conflicto bélico en la vida cotidiana de los excombatientes. El documental indaga en el origen de sus traumas, las dificultades para reinsertarse y la falta de acompañamiento institucional. Según datos que atraviesan el relato, en Estados Unidos se registra un alto índice de suicidios entre veteranos, una problemática que la película pone en primer plano.

El recorrido culmina con el regreso de los protagonistas a su país, donde deberán afrontar las consecuencias de sus experiencias. Allí, sus voces se vuelven parte de una guerra silenciosa que continúa lejos del frente de batalla.

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El remolino del río: el cine misionero que desafía los bordes entre lo real y lo virtual

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El paisaje cotidiano de Posadas —sus muelles, el barrio Villa Cabello y el imponente Paraná— se convierte en el escenario de una narrativa que busca incomodar. “El remolino del río”, cortometraje de ficción escrito y dirigido por Eva Macarena Rodríguez, se encuentra actualmente en fase de posproducción, tras un intenso rodaje a finales de marzo que capturó la esencia de la juventud misionera contemporánea.

El “Bairuzú”: una analogía sobre la succión digital

La génesis del proyecto tiene una raíz tan física como metafórica. Macarena recuerda el asombro y el pánico que sentía de niña ante las corrientes de Yacyretá o las Cataratas. Sin embargo, el disparador visual fue el “Bairuzú”, el famoso y misterioso remolino de Montecarlo. “Esas corrientes hídricas imponentes pueden ser una analogía muy acorde a la corriente abrasadora que significan las redes sociales”, explica la directora.

La trama sigue a Asia (Tiara Rodríguez Greve) y Lea (Lara “Pinky Lala” Argañarás), dos amigas que, en busca de un millón de seguidores, anuncian que se lanzarán al remolino en una transmisión en vivo. Lo que comienza como un juego de validación digital escala hacia una presión mediática y social con giros inesperados.

El contraste entre las protagonistas es el motor narrativo del corto. Tiara describe a su personaje como una joven que “no dimensiona lo que hace o el riesgo en el que puede poner a otras personas” por su obsesión con la fama digital. Por su parte, Lara encarna a Lea, una joven inocente y apasionada que participa del reto principalmente por el vínculo con su amiga. 

Para la directora, haber filmado el cortometraje es un sueño cumplido gracias al fomento del Instituto de Artes Audiovisuales de Misiones (IAAviM), tras ser uno de los proyectos ganadores del Concurso de Cortometraje de Primeras o Segundas Obras del Plan de Fomento 2025. Sobre la temática, Rodríguez explica que “el verdadero peligro está en la mirada de los otros” y que el remolino funciona como una analogía de las redes sociales, las cuales describe como “esa fuerza que hoy en día nos succiona nuestro tiempo y nuestra mirada”.

Estética “punk” y la influencia de Sofia Coppola

Para esta obra, Rodríguez cita como musas la narrativa poética y cruda de Sofia Coppola en Lick the Star y The Virgin Suicides. También resuena con el cine de la correntina Clarisa Navas, especialmente en la búsqueda de esquemas de producción comunitarios y el uso de contextos reales.

El cortometraje apuesta por un naturalismo extremo. Bajo la dirección de fotografía de Sandra Grossi, se utilizó cámara en mano para generar intimidad y “meterse en la mente” de las protagonistas. Un elemento innovador es el uso de imágenes de archivo reales de las actrices, creando un “collage” que borra la frontera entre la ficción y la realidad de su personalidad punk adolescente.

Un set con perspectiva de género y conciencia económica

La producción no solo es una apuesta estética, sino también política. El 95% del equipo técnico está integrado por mujeres e identidades diversas, muchas de ellas parte de la colectiva MUTAR. Para las actrices, esta configuración creó un ambiente de “hermandad y sororidad” inédito en sus experiencias previas. Al respecto, Argañarás compartió: “Me siento súper honrada de formar parte de esta producción. Siento por primera vez lo que creo que sienten los varones cuando trabajan en conjunto; esa hermandad que nunca había sentido de esta manera”. La actriz destacó que este ambiente le permitió una libertad creativa inédita: “Se siente genial… me siento cómoda, siento que puedo soltarme un poquito más con ellas”.

Victoria González, jefa de producción junto a Yamila Barnasthpol, destacó el desafío que implicó llevar adelante el proyecto en el actual contexto económico del país y remarcó la importancia de una administración responsable en una ópera prima. En ese sentido, señaló que asumir por primera vez la conducción de un set como jefa de producción significó “un desafío muy grande” y una experiencia clave para su crecimiento profesional. Además, valoró el acompañamiento constante de sus compañeras y la diversidad del equipo técnico, integrado mayormente por profesionales de Misiones, junto a integrantes de otras regiones, como la sonidista chaqueña y la montajista brasileña.

El desafío de la posproducción

Aunque la filmación principal concluyó en locaciones como el complejo La Aventura, el emblemático barrio posadeño de Villa Cabello, y el Club Náutico León Seró, el trabajo continúa. La edición está siendo realizada en Brasil por Júlia DaCosta, a quien Rodríguez conoció en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de Cuba mientras se formaba en la Residencia de Guion. Por otro lado, la diseñadora gráfica Guadalupe Caballero desarrolla en Posadas el diseño de animaciones que se integrarán a las pantallas de los dispositivos dentro del film.

“No tenemos fecha de estreno aún. Considero que la postproducción es el desafío mayor de este proyecto, así que queremos darle tiempo, dedicación y una buena impronta de sonido”, afirma Macarena Rodríguez, quien tras 17 años en la industria y con un próximo largometraje en desarrollo (Mila), se consolida como una voz autoral comprometida con su tiempo y su territorio.

Ficha Técnica: El Remolino del Río

  • Guion y Dirección: Eva Macarena Rodriguez
  • Asistentes de Dirección: Natal Cano y Camila Acosta
  • Jefatura de Producción: Yamila Barnasthpol y Victoria González
  • Asistente de Producción: Lula Recio
  • Mentoría de producción: Magali Bustos
  • Dirección de Fotografía: Sandra Grossi
  • Foquista: Melanie Gamonal
  • 1er Asistente de Cámara: Valeria Birritela
  • Dirección de Sonido: Lucia Palenzuela
  • Microfonista: Mica Chavez
  • Gaffer: Vax
  • Dirección de Arte: Makarena Bordón
  • Utilería: Leticia Alvarez
  • Maquillaje: Kike Sandoval
  • Vestuario: Malena Reynoso
  • Edición: Júlia DaCosta
  • Diseño Gráfico: Valeria Guadalupe Caballero

Fotos – Créditos Nadir Productora Audiovisual

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