La capital misionera consolida su lugar en el mapa nacional del turismo de eventos. Con una agenda repleta de encuentros deportivos, culturales y profesionales, Posadas vive un presente vibrante que impulsa su economía y refuerza su identidad como destino moderno y hospitalario.
En las últimas semanas, Posadas se transformó en el epicentro de 14 eventos que movilizaron a miles de personas y elevaron la ocupación hotelera entre el 75 % y el 90 %. Más de 2.000 visitantes disfrutaron de la ciudad, generando un impacto positivo en toda la cadena turística. Entre los encuentros más destacados se cuentan el Panamericano de Pádel, el Sudamericano de Gimnasia Rítmica 2025, el Futsal AFA, el show de Raça Negra y diversas ferias empresariales y congresos.
Estos logros consolidan una tendencia en crecimiento: durante 2024 Posadas recibió 226 eventos MICE (reuniones, incentivos, congresos y exhibiciones) y se espera cerrar 2025 con alrededor de 250, lo que representa un aumento del 10 % al 15 %.
Detrás de estos números hay planificación, inversión y una articulación constante entre el sector público y privado. Posadas ofrece hoy infraestructura moderna, conectividad, espacios de primer nivel y una calidez humana que la distingue.
La ciudad continúa proyectándose como un destino vivo, dinámico y lleno de oportunidades. Cada evento que llega genera empleo, fortalece a los emprendedores y reafirma el orgullo posadeño por una capital que sigue creciendo con energía propia.
El atardecer musical del domingo sonará fuerte con Águila Harpía y Drunk, heavy metal, glam y hard rock para escuchar a alto volúmen. La cita es, como todos los domingos, a partir de la 17 Hs. en El Brete
Águila Harpía, el trío formado por Walterius Rex (voz y guitarra, ex Lobregal, Exequias, El Charco, Astralmemory), Ramón Ortiz (bajo) y Carlos “Perro Loco” Retamar (batería), rescata la tradición del heavy metal ochentoso con la crudeza del hard rock y el brillo glam. Como el ave rapaz que les da nombre, sus canciones sobrevuelan con potencia y garras afiladas, entregando un repertorio directo, intenso y sin vueltas. La banda ya tiene dos cortes de difusión disponibles en YouTube.
Por su parte, Drunk irrumpe con un hard rock incendiario, cargado de riffs filosos y canciones que hablan de deseo, dolor y pasión con la misma crudeza con la que se plantan en el escenario. Con cinco cortes en plataformas digitales y un show de 13 temas íntegramente propios —incluyendo un pasaje semiacústico que suma matices sin perder intensidad—, la banda integrada por Martín Zarza (voz), Gustavo Coll (bajo), Maximiliano Espachuk y Fernando Morales (guitarras y coros) y Fabián Jaras (batería y coros) convierte cada presentación en una experiencia que golpea directo al cuerpo.
El icónico trío volverá a los escenarios tras 18 años con su cantante en formato holográfico. Los shows recuerdan a cuando los Sex Pistols se reunieron en 1996 después de casi 20 años para hacer una Gira Mundial, bautizaron al tour como “la Gira del Lucro Indecente” (Filthy Lucre Tour) para anticiparse a las críticas de quienes dijeran que sólo volvían por el dinero.
El cantante y líder del trío falleció en 2014 y, según informó la banda, no habrá “ni invitados ni cantante nuevo”. Según trascendió, el autor de “Persiana Americana” aparecerá en el escenario de modo “virtual” como una especie de holograma.
Los hologramas se convirtieron en una de las innovaciones más sorprendentes del espectáculo contemporáneo. Esta tecnología permite revivir sobre el escenario a artistas fallecidos, generando asombro y emoción en los espectadores. Desde Michael Jackson hasta Whitney Houston, Elvis Presley o María Callas, los shows con proyecciones 3D combinan música en vivo, nostalgia y negocios millonarios en cada presentación.
El impacto económico es evidente: en muchos casos, las giras representan más del 80% de los ingresos de los artistas. Según Rolling Stone, los hologramas de Frank Zappa en 2019 permitieron entradas de hasta u$s125, mientras que la gira póstuma de Roy Orbison recaudó más de u$s35 millones, con funciones a sala llena.
La idea no es nueva. En el siglo XVI, Giambattista Della Porta experimentó con la ilusión que siglos más tarde perfeccionó John Henry Pepper, que derivó en la técnica conocida como Pepper’s Ghost. Esta técnica de vidrio reflejante fue el punto de partida para los actuales espectáculos que, combinados con CGI y proyecciones 2D convertidas en 3D, alcanzan niveles de realismo sorprendentes.
Uno de los hitos más recordados e impactantes ocurrió en Coachella 2012, cuando el rapero Snoop Dogg presentó un holograma de Tupac Shakur, quien había sido asesinado en 1996. Sí, el rapero de la Costa Oeste “volvió a la vida” casi 20 años después.
Dos años después, en los Premios Billboard 2014, Michael Jackson volvió a escena para interpretar Slave to the Rhythm junto a bailarines en vivo. En 2020, la gira “An Evening With Whitney” ofreció a los fans de Whitney Houston un recorrido por su carrera, agotando entradas en varias ciudades.
La técnica también permitió momentos únicos en televisión. Christina Aguilera llegó a cantar a dúo con el holograma de Whitney Houston en La Voz, aunque la actuación no fue emitida por decisión de los herederos.
A su vez, Elvis Presley reapareció junto a Celine Dion en un especial de American Idol, despertando especulaciones sobre futuros proyectos globales.
Sin embargo, el fenómeno no se limita al pop ni al rock. La compañía BASE Hologram revivió a la soprano María Callas, fallecida hace 45 años, con una gira internacional que recorrió Londres, París, Ámsterdam y Buenos Aires, usando láseres de alta tecnología militar adaptada al espectáculo.
El Indio Solari, el ejemplo argentino
El Indio Solari hizo historia al convertirse en el primer artista argentino en cantar como holograma durante los shows de los Fundamentalistas del Aire Acondicionado en el estadio Malvinas Argentinas en marzo de 2020.
Debido a la enfermedad que lo aqueja hace ya varios años, el exlíder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota había comenzado a aparecer en la pantalla de los shows de su banda. Sin embargo, desde 2020 se innova con el formato holográfico.
En su momento, Matías Mera, de la productora Craneo Films, explicó a Filo News que ya tenían resuelto lo más complejo, el timing entre la voz grabada y la banda en vivo, lo que facilitó la producción. El proceso incluyó la participación del fotógrafo Edgardo Kevorkian, encargado de la filmación en Luzbola, el estudio del Indio. En febrero se grabaron seis temas: dos para pantalla (Susanita y Salando las heridas) y cuatro para holograma (Pinturas de guerra, La moda no es vanguardia, La oscuridad y El callejón de los milagros).
El vestuario incorporó un efecto de glitch de interferencia, supervisado y aprobado por el propio Solari. El holograma fue registrado con dos cámaras, aunque finalmente se eligió el plano abierto. La puesta en escena demandó dos meses de preproducción, con ensayos en Groove y en el Malvinas, donde se probó la interacción con luces, humo y sonido.
Para lograr la proyección se utilizaron tres proyectores de 13 mil lúmenes, que lanzaban las imágenes sobre una tela transparente desde atrás del escenario. La luna llena representó un obstáculo de luminosidad, lo que obligó a reforzar la técnica con un proyector extra y a tapar luces callejeras con telas negras.
El resultado final sorprendió: algunos espectadores notaron el truco, pero muchos creyeron que el Indio estaba realmente sobre el escenario. Una experiencia inédita para el rock argentino, lograda gracias al trabajo colectivo de los Fundamentalistas y un equipo de técnicos que hicieron posible el primer holograma local en un show en vivo, algo que podría ser replicado por Cerati.
El autor y compositor había nacido en Buenos Aires el 22 de junio de 1938 y estaba radicado en París, Francia, desde 1987. La noticia de su fallecimiento fue dada a conocer por su productor artístico, Alberto Felici.
El mundo de la música argentina despide a una de sus figuras más emblemáticas: Raúl Barboza, acordeonista y compositor que llevó el chamamé a escenarios de todo el mundo, falleció a los 87 años en París, ciudad en la que residía desde 1987. La noticia fue confirmada por su productor artístico, Alberto Felici.
Nacido en Buenos Aires el 22 de junio de 1938, Barboza comenzó a tocar el acordeón a los seis años y pronto fue apodado “Raulito El Mago” por su virtuosismo precoz. Con el tiempo se convirtió en el embajador internacional de la música litoraleña, llevando el sonido del chamamé más allá de las fronteras argentinas.
Barboza compartió escenarios y grabaciones con Atahualpa Yupanqui, Astor Piazzolla, Mercedes Sosa, Jairo, Richard Galliano, Ramón Navarro, Cesaria Evora, Peter Gabriel, Juanjo Domínguez y Ariel Ramírez, entre muchos otros artistas de renombre mundial.
Su talento fue reconocido a lo largo de su vida con múltiples premios
-Premios Atahualpa en tres oportunidades.
-Premio Konex, que lo distinguió como “una de las cinco mejores figuras en la historia de la música popular” en la categoría Instrumentista de Folklore.
-Premio SADAIC “Francisco Canaro”, por su labor en la difusión del chamamé en el exterior.
-Premio Clarín al Mejor Artista del Año, entre muchos otros reconocimientos.
Instalado en Francia desde fines de los años 80, Barboza se transformó en un puente cultural entre Europa y el litoral argentino, donde sus composiciones y versiones fueron celebradas como parte de la identidad musical del país.
Defensor incansable del chamamé, género que ayudó a visibilizar en el mundo, Raúl Barboza deja una huella profunda en la música popular argentina y un legado artístico que trascendió fronteras.
Su partida enluta al folklore, pero su obra seguirá resonando en los acordeones, guitarras y voces que mantienen viva la tradición litoraleña.
Raúl Barboza fue un destacado acordeonista de chamamé y música litoraleña de Argentina. Comenzó a tocar el acordeón a los 6 años.
Compartió escenarios con Atahualpa Yupanqui, Astor Piazzolla, Mercedes Sosa, entre otros. Recibió premios como Premios Atahualpa, Premios KONEX y Premios Clarín, entre otros. Es reconocido como embajador del chamamé a nivel mundial.
Cinco íconos del rock nacional se reencontraron para escuchar la reedición del único disco que Porsuigieco grabó en 1975. El álbum fue posible gracias a la recuperación del histórico catálogo de Music Hall, realizada por el Instituto Nacional de la Música.
El Instituto Nacional de la Música (INAMU), dependiente de la Secretaría de Cultura de la Nación a cargo de Leonardo Cifelli, fue parte de un momento inolvidable para la música argentina: los integrantes de Porsuigieco —Raúl Porchetto, Charly García, Nito Mestre, León Gieco y María Rosa Yorio— se reencontraron 50 años después de la grabación de su único álbum, registrado en 1975, para escuchar juntos la reedición remasterizada de esta obra emblemática y revisar el arte gráfico.
“La historia del rock nacional hoy tiene mucho para celebrar. Es una enorme noticia para la cultura de nuestro país y un ejemplo más del gran trabajo del Instituto Nacional de la Música, administrando los recursos y generando beneficios económicos directos para la industria”, señaló el secretario de Cultura Leonardo Cifelli. El lanzamiento, que llegará en las próximas semanas en formato de vinilo, CD y plataformas digitales, es posible gracias a la recuperación del histórico catálogo de Music Hall realizada por el INAMU. El organismo firmó un convenio con el sello discográfico DBN para reeditar el material a partir del rescate de la cinta máster original.
La reunión tuvo lugar en el Estudio Crazy Diamond, donde el ingeniero de sonido Gustavo Gauvry —responsable de la remasterización— presentó la versión final a los músicos. La edición 2025 trae consigo un regalo para los fanáticos: dos canciones remezcladas (“El fantasma de Canterville” y “La mamá de Jimmy”), un insertdoble con fotografías inéditas que vuelve a abrir la puerta a aquellos días irrepetibles y el primer afiche del grupo, dibujado por Charly García.
En el encuentro, participaron Buco Cantlon, presidente del INAMU y responsable de la reedición; Rubén Andón, fotógrafo de la banda durante la gira de 1974 y la grabación de 1975, además de autor del diseño del insert de esta edición, y Pali Muñoz, encargado de reconstruir el diseño de la portada original. El álbum, registrado entre mediados y fines de 1975, contó con la colaboración de músicos de primer nivel como Oscar Moro, Gustavo Bazterrica, Rinaldo Rafanelli, Alfredo Toth, José Luis Fernández, Leo Sujatovich, Pino Marrone, Horacio Josebachvilli, Frank Ojstersek, Gonzalo Farrugia y Juan Rodríguez.
La reunión tuvo gestos cómplices y anécdotas mientras sonaba cada canción. Los años transcurridos hicieron aún más emotivo este reencuentro entre músicos que dejaron su testimonio hace medio siglo. Pronto se podrá escuchar este disco con la mejor calidad. “¡Cómo me gustaba cantar esta parte! ‘Esa careta idiota que tira y tira para atrás’”, comentó emocionada María Rosa Yorio, mientras sonaba “El fantasma de Canterville”. Y recordó: “Fue la primera vez que grabé así”, aludiendo a la importancia que tuvo este disco para el grupo.
Durante la escucha de “Puertas de Acuario”, Raúl Porchetto señaló: “Acá cantamos dos letras diferentes, no solo dos melodías. Dos letras diferentes al mismo tiempo”. Además, rememoró los días de grabación: “Pasé a buscar a Carlitos en Donato Álvarez y fuimos en colectivo a Phonalex”. Luego, Nito Mestre se refirió sobre “La Colina de la Vida”: “Ese día fue mi estreno tocando el piano”. Y mirando a Charly, agregó: “Mirá lo que tuve que hacer, porque ese día no viniste”.
Por su parte, León Gieco recordó acerca del arte gráfico: “La tapa, en realidad, éramos nosotros en la ventana. Después fue idea de Charly sacarnos y usar esa imagen como tapa”. Charly remató sonriendo: “Está buena la tapa”. Y sobre el día cuando sacaron la foto, añadió: “No bien entramos al pueblo, había un cartel que decía: ‘Vino de mesa Mestre’”. Por último, al escuchar una versión alternativa de “Viejo, solo y borracho”, canción que fue descartada del disco, comentó: “Toqué el piano a lo Elton John”.
Como anticipo, el INAMU comparte un video con imágenes exclusivas del reencuentro, en el que las miradas, las risas y las memorias reconstruyen un momento histórico: cinco amigos, cincuenta años después, volviendo a escuchar la banda sonora de su propia historia.
